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Vista de la exposición Andy Warhol. Estrella oscura, Museo Jumex
Foto: Moritz Bernoully © 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Sobre la exposición "Andy Warhol: Estrella Oscura"

Andy Warhol no sólo es el artista que retrató la cultura de consumo estadounidense, también es el que produjo y puso a circular las imágenes de su decadencia. Así se ve en la actual exposición de más de cien obras en el Museo Jumex.

La máxima de Andy Warhol “en el futuro todos serán famosos por quince minutos” toma un carácter ambivalente en la exposición Estrella Oscura organizada por el Museo Jumex bajo la curaduría de Douglas Fogle. La fama, tan ansiada por el sujeto que busca destacar en un ambiente específico, muestra su lado siniestro, su canibalismo. La intención de Fogle es subrayar –mediante más de cien obras en pintura, serigrafía, filmes, instalación, escultura, fotografía y material de archivo– cómo los diez primeros años de la carrera de Warhol están marcados por las consecuencias, que pueden llevar hasta la muerte, del desarrollo económico y social en el que está inserto. Las obras exhibidas fueron realizadas durante la década de los sesenta.

El curador retoma en el catálogo una frase del filósofo Paul Virilio que da cuenta de la narrativa de la exposición "cuando inventas el barco, inventas también el naufragio; cuando inventas el avión, inventas también el avionazo; cuando inventas la electricidad, inventas la electrocución... Cada tecnología conlleva su propia negatividad, que se inventa al mismo tiempo que el progreso técnico"

Paul Virilio, Politics of the Very Worst (Nueva York: Semiotext(e), 1999), 89. Citado en “¿Quién disparó a Andy Warhol?” Douglas Fogle. Trad. Elisa Schmelkes en Fogle, Douglas. Estrella Oscura. Fundación Jumex Arte Contemporáneo y DelMonico Books • Prestel, México 2017. p. 132

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. En esta línea Warhol no sólo es el artista que retrató la cultura de consumo estadounidense, también es el que produjo y puso a circular las imágenes de su decadencia.

En la tercera sala del museo, sitio donde inicia la muestra, nos encontramos con las latas  de sopa Campbell’s. Las latas no sólo indican la renuncia de Warhol al gesto subjetivo del expresionismo abstracto (es sabido que admiraba a pintores como Jackson Pollock), también señalan la importancia de la repetición en su obra, la cual se va a contraponer a la necesidad de elección del mundo publicitario.

Para el crítico del arte Boris Groys “la técnica en serie [de Andy Warhol] no demuestra el proceso de multiplicación de la imagen original, más bien, el retorno a un tiempo anterior a su selección"

Groys Boris. Particular cases. Sternberg Press, Berlín, 2016. p. 48. Traducción Sandra Sánchez.

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. Mientras que en el mundo publicitario se debe elegir una imagen, lo que despliega Warhol es la posibilidad creativa de generar múltiples opciones sin tener que escoger una, proceso que se verá acentuado cuando utiliza la serigrafía en vez de la pintura.

andywarhol
© 2017 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Self-Portrait [Autorretrato], 1964 Acrílico, pintura metálica y tinta de serigrafía sobre lino 51.1x41cm The Andy Warhol Museum, Pittsburgh; Founding Collection, Contribution Dia Center for the Arts

 

Otra característica importante es que la lata no es siempre la misma, no sólo porque cambia el sabor, también porque cambia la forma en que está dispuesta. En la exposición vemos la Large Campbell’s Soup Can [Lata grande de sopa Campbell’s],  de 1964; las 100 Cans [100 latas] de 1962; y la Big Torn Campbell’s Soup Can (Pepper Pot) [Lata grande de sopa Campbell’s rasgada (Pimentón)],  de 1962. Para el curador la última es importante porque refleja lo que se encuentra detrás de la etiqueta:

Resulta relevante para nuestra discusión hablar de las subsecuentes pinturas de Warhol, las latas de sopa Campbell’s aplastadas y rasgadas. En las cinco versiones de su Big Torn Campbell’s Soup Can […] todas de 1962, Warhol jugó con nuestras expectativas del objeto perfecto de consumo al rasgar y destrozar las etiquetas de sus modelos, dejando a su paso los vestigios deteriorados y las auras heridas de estos productos ahora indeseables. En estas pinturas se rompe la burbuja del fetiche mercantil y sólo quedan las inquietantes sombras grises de la piel de aluminio de las latas, acentuadas por los estigmas rojos y blancos de sus etiquetas rotas.

¿Quién disparó a Andy Warhol?” Douglas Fogle. Trad. Elisa Schmelkes en Fogle, Douglas. Estrella Oscura. Fundación Jumex Arte Contemporáneo y DelMonico Books • Prestel, México 2017. p. 127

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Las “inquietantes sombras grises” no solo se pueden ver en los productos, también en las personas. En la muestra encontramos retratos de Marilyn Monroe, Liz Taylor y Jackie Kennedy. Aunque las tres son vistas como mujeres famosas que tuvieron éxito, Warhol acentúa el carácter trágico de sus vidas. El artista comenzó a producir las imágenes de Monroe inmediatamente después de su suicidio el 5 de agosto de 1962, las imágenes de Taylor (como Cleopatra) las empezó a trabajar cuando ella estaba muy enferma y todos decían que se iba a morir, finalmente a Jackie Kennedy la plasma en sus momentos de felicidad y en sus momentos de duelo tras el asesinato de su marido.

Sin embargo, la estrella oscura no sólo sigue a los famosos por más de quince minutos, también a aquellas personas anónimas que son absorbidas por los medios de comunicación pero que son olvidadas tan rápido como llega el nuevo desastre. Ellos conforman un universo propio dentro de la producción de Warhol como los Most Wanted Men No. 1, John M. [Los hombres más buscados, núm. 1, John M.], de 1964; el Ambulance Disaster [Desastre de ambulancia], ca. 1963; el 5 Deaths [5 muertes], de 1963; el White Burning Car III [Auto en llamas en blanco III], de 1963; y el Foot and Tire [Pie y llanta], de 1963-1964. Todas estas obras están expuestas en la muestra a lado de las figuras más conocidas. Nadie libra a la muerte.

Finalmente, en el primer piso encontramos un cuarto oscuro que presenta cuatro filmes al mismo tiempo, uno en cada pared. Entre ellos se encuentra Empire [Imperio], de 1964, película de 16mm, blanco y negro, silente 8 h 5 min, a 16 cuadros por segundo. Warhol grabó al edificio del Empire State desde que se pone el sol hasta que reaparece, recordando el ciclo infinito entre arte y vida, fama y olvido; éxito y fracaso.

La exposición está abierta hasta el 17 de septiembre